El
6 de octubre del pasado 2020 reanudamos las tertulias del Café Gijón
con el artífice, creador, amigo y escritor Justo Sotelo. Comenzamos con
la presencia de German Gullon
y su obra ensayística sobre una biografía “Galdós. Maestro de las
letras modernas” (Valnera, 2020) en la que nos habló sobre su visión “en
color” sobre una las figuras de la cúspide en la cultural española.
Recordad que en 2021 se celebró el centenario de Benito Pérez Galdós
(Las Palmas 1843 - Madrid 1920) novelista, dramaturgo, cronista y
político español. Galdós, multifacético de la mano de los comisarios
Germán Gullón Palacio y Marta Sanz Pastor se pudo apreciar la Exposición
sobre "Benito Pérez Galdós. La verdad humana" en la Biblioteca Nacional
a comienzos de año en aquella exposición sobre Galdós y en la actual,
en la ciudad de Las Palmas, ayer quedó patente la polifacética
personalidad del escritor canario que, con sus obras y aportaciones
públicas, penetró en la realidad moderna. Un paseo de la mano de Germán
Gullón por el Café Universal y los contertulios canarios, el ‘café de
los espejos’ situado al inicio de la calle de Alcalá en la mitad del
siglo XIX se mantuvo hasta 1974. Entre los contertulios de Galdós, cabe
mencionar a Fernando León y Castillo y Agustín Espinosa. La vida de
Galdós transcurrió no solo por el Café Universal sino por varios cafés
más (Café Gijón, Café Iberia, la Cervecería inglesa, Los Galayos),
siendo estos “puntos de encuentro de la democracia” como apuntó Germán
Gullón. Tanto Justo como Germán Gullón, dos enamorados de la ciudad de
Madrid a través de la figura de Galdós, nos hablan sobre la personalidad
humanista del mismo en el XIX. Un hombre de razón y corazón, mente y
emociones, espíritu y cuerpo que alcanzó la cima de la literatura
moderna. Contribuyó y ofreció en sus obras literarias un ejemplo de ser
humano real, verdadero, con una herencia literaria del siglo de Oro
mediante don Quijote de la Mancha, e indagó en otros personajes
decimonónicos (abogados, empleados, médicos, comerciantes, maestros,
mujeres). Gullón nos acerca a la idea de la crítica española ya que como
nos explicó que para que crezca la popularidad de una novela es
necesario que aumente la crítica en un país lo que supone, la superación
y el crecimiento de los propios escritores del mismo.
Con
una sonrisa y una gran dosis de generosidad el día 13 de octubre nos
adentrarnos en el último libro “En busca de la felicidad: el Sistema
Proust” publicado por la Universidad de Salamanca en 2020 del escritor Fernando Gil Villa.
Nos introdujimos en apenas veinte minutos en su ensayo en el que
despliega por un lado, su yo filosófico-social y por otro, su yo
poético, utilizando un método científico para aproximarse al tema de
Proust. El autor sin ser ni considerarse biógrafo profesional, no
idealiza ni tampoco penetra en el fetichismo, simplemente busca e indaga
en la obra de Proust sin ser – como nos recuerda - una causa personal.
A Proust no le considera vividor ni hedonista ni puritano ni tampoco un
hombre egocéntrico sino más bien un ser humano muy trabajador, un poeta
de lo social que apuesta por el desafío ético siguiendo el pensamiento
del sociólogo Levinas. Se puede considerar este ensayo como un manual de
resistencia y supervivencia en el que refleja el perfil humanista de
Proust, triangulado como nos comenta Fernando, por Emmanuel Levinas, por
el humanismo del Otro. Esa humanización que Proust permite limpiar las
impurezas del ser humano, filtrarlas y realzar lo humano. Un libro que
invita a los lectores a penetrar en el ser humano, ponerse en el lugar
del otro y ahondar en la vulnerabilidad del propio ser humano. Lévinas
define el humanismo altruista de Proust como ese “yo soy el rehén
insustituible del Otro” y por tanto, es necesario escuchar y acercarse a
ese Otro.
El
20 de octubre con una sonrisa, su simpatía, su buen humor y una mirada
profunda que le caracterizan, Rafael Soler nos presentó su último libro
"Necesito una isla grande" (Contrabando, 2020). Las conexiones aumentan
vertiginosamente y en cuestión de quince minutos nos unimos para
escucharle casi 50 personas desde diferentes partes del mundo. Escritor
valenciano, ingeniero y sociólogo nos conduce a través de sus palabras a
penetrar en su historia personal y académica, en su amplia trayectoria
literaria (poesía y narrativa) y su colaboración continua y
participativa en la ACE (Asociación Colegial de Escritores) como
Vicepresidente. El autor es un visionario del momento, una novela que
anticipaba nuestra situación del COVID-19. Al autor le impactó cuando
escuchó por primera vez lo que sucedía en las residencias de ancianos.
Él acierta, atina y anticipa el presente con el fondo de su novela. La
tercera edad nos dice - es transparente, con un espíritu bárbaro en una
historia y con un final que les sorpresa “haciendo planes”. El
microcosmos de las residencias o los asilos es un tema difícil de
resolver y queda mucho camino. Es una fuga que se articula como homenaje
a los mayores y demuestra la vulnerabilidad y la fragilidad aparente de
ellos.
El 27 de octubre a través de su última novela “Insurrección” (2019), José Ovejero
nos introduce en varias reflexiones que nos acercan al significado de
su escritura. Nos adentramos como si del hilo de Ariadna se tratara, en
su laberinto narrativo para entresacar su proceso creativo. Ovejero,
como escritor de brújula que es, parte de la situación actual sin
grandes planteamientos. Crea y recrea a partir de una serie de
situaciones, personajes y conflictos con trasfondo social. A partir de
un diálogo crea una historia y da estructura a su novela. Él posee un
sustrato biográfico que proyecta en su escritura la cual – nos dice –
“es la voz de nuestra sombra”. En ella plasma su huella o esfera
cultural en el texto a pesar de ser una novela de ficción. Es imposible
borrarlas. Cuando escribe le interesa la relación del cómo influye en el
qué. Su novela Insurrección indaga y penetra en el trasfondo social del
XXI, en las dificultades existentes dentro de las relaciones humanas y
principalmente en las familiares, en el binomio o simbiosis padre e
hija, en la situación económica actual, en la radio, los Centros
Sociales Okupa dentro del famoso barrio de Lavapiés, fruto del
multiculturalismo y fusión culturas y etnias. Nos conduce a través de la
polifonía narrativa a las tres voces importantes que laten en el hilo
conductor. Ovejero crea un artificio narrativo jugando con las tres
primeras personas y nos explica que utiliza la primera y la segunda
persona porque le permiten acercarse al lector y la tercera sin embargo,
le aleja de él en el discurso narrativo.
El 3 de noviembre, Javier Morales
(escritor, licenciado en Periodismo por la Universidad Complutense de
Madrid, profesor de escritura creativa) nos presentó su libro de cuentos
“La Moneda de Carver” (Reino de Cordelia, 2020). El lector cuando
cierra el libro tiene una sensación agradable, de unión y simbiosis
total con la literatura, el arte y la creación literaria. Se trata de
ocho narraciones cortas que homenajean a la literatura, a los
escritores, una mezcla de ficción y realidad en estas historias.
Encontramos muchas referencias artísticas (Degas, Sorolla, Hopper,
Exposición Thyssen), cinematográficas (William Hurt), literarias
(Borges, Ángel Campos Pámpano, Chéjov, Carver, Cheever, Neruda) y
filosóficas (Camus, Sartre, Nietzsche) y referencias al imaginario de
los cuentos con temas sociales y preocupaciones existenciales. En estos
cuentos se refleja una incisiva mirada del autor sobre los aspectos de
la literatura, el amor, la familia y la figura del padre, el paso del
tiempo, la escritura, la lectura de novelas, la publicación de libro de
poemas, el endiosamiento de los escritores, la verdad del artista.
El
10 de noviembre nos habló el escritor argentino Antonio Tello Argüello
(Villa Dolores, Córdoba, 1945),de su vida y su apasionante vida ( con
su exilio en Barcelona, tras ser amenazado de muerte por la Triple A,
Alianza Anticomunista Argentina, lo que le llevó primero a París y luego
a España). Actualmente Antonio es coordinador del Área de Literatura y
Pensamiento en la Casa de la Cultura de Río Cuarto y Director de El
Corredor Mediterráneo.
El 17 de noviembre tuvimos como invitada a la psicóloga-psicoanalista, poeta y narradora Silvia Ramos y nos habló de los guionistas de la película "Broken poet", interpretada por Elliot Murphy en 2019, Emilio J. Ruiz y del propio Murphy.
El 24 de noviembre nos habló de pintura la artista de Alcalá de Henares Johana Roldán Lorente
nos explicó su proceso creativo, su percepción del arte del XXI y el
significado de la belleza en su pintura, plasmados en la exposición
MusArañas que inauguró a principios de mes en una sala de Guadalajara.
"Se nos ha dicho que ya no somos musas, sino creadoras. Así ha sido en
realidad a lo largo del tiempo, aunque no fuera tan manifiesto. Sea como
fuere, desde que pude pronunciar "dame un lápiz" siempre tuve muy claro
cuál era mi posición en esta doble posibilidad de la mujer en la
historia del arte: la de que teje la red creadora.
El 1 de diciembre tuvimos como invitada protagonista a Silvia Ramos
que nos habló de sus poemas. Silvia Ramos es psicóloga-psicoanalista,
poeta y narradora. Nacida en Huelva y afincada en Madrid desde hace más
de una década. Aunque con vocación de periodista, su curiosidad por el
ser humano le lleva a estudiar psicología. Se licenció en Barcelona por
la Universidad Ramón Llull. Es máster en teoría psicoanalítica por la
Universidad Complutense de Madrid y en Dirección de Recursos humanos y
Organización por la escuela de marketing y negocios ESIC y especialista
en psicoterapia psicoanalítica de adultos. Ha trabajado como psicóloga
de empresa y ha ejercido la psicología clínica en diversos centros
sanitarios. En la actualidad desarrolla su labor profesional como
psicóloga en Madrid. Muestra su inclinación por la escritura desde
niña, con sus primeros poemas. En la adolescencia escribe diversos
diarios de reflexión filosófica y existencial. Durante la etapa de
estudiante universitaria se inicia en la escritura de microrrelato y
relato, siendo la narrativa junto a la poesía los géneros que ha
cultivado hasta el presente, aunque la poesía con mayor intensidad. En
octubre de 2018 presentí su libro Poemas de la Medianoche en el Café
Comercial de Madrid con la editorial Editorial Los Libros del Mississippi.
Ha participado como poeta invitada en radio, festivales, presentaciones
y recitales en Madrid, Barcelona y Huelva, y como psicóloga y poeta
invitada en la presentación de libros de varios autores. Participó como
autora en la Feria del libro de Madrid de 2019. Actualmente se encuentra
escribiendo su segundo poemario. Sus poemas han sido publicados en
diferentes medios.
El 15 de noviembre
Daniel Monedero
(Valladolid, 1977) es guionista, escritor y profesor de relatos en
Billar de Letras. Su labor como guionista de televisión y cine (ha sido
guionista en múltiples series como Siete vidas) la compagina con la
literatura para adultos y para público infantil y juvenil. Su anterior
publicación fue "Manual de jardinería (para gente sin jardín)" presentó
su último libro de relatos “Volar a casa” de Daniel Monedero (
Editorial Páginas de Espuma,
2020). En estas páginas, el lector descubrirá que la escritura es el
hilo conductor que vertebra el texto. Nos habla de palabras, de lo que
es el ser humano y lo que hace la literatura con nosotros. Yo diría que
está lleno de fogonazos que oscilan entre lo real y lo imaginario donde
se refleja el fondo y la forma, la realidad y los sueños de una serie de
personajes que se pasean por el infinito a través de un conjunto
interminable de imágenes y se perfilan mediante la circularidad del
proceso creativo. ¿Un cuento dentro de otro cuento? ¿Existe el cuento
perfecto? El autor intenta relacionar todo, utiliza y maneja las
relaciones entre la sopa y la literatura e incita al lector como diría
Tzvetan Todorov, a la vacilación y a la duda continua del texto en el
que sea difícil distinguir con claridad qué es lo real y qué es lo
soñado. Quizá el lector lea los sucesos que nos ha relatado como si
estuviera en el interior de la conciencia de uno de los personajes y
vacile primero como lector y después como personaje.
El 12 de enero un cuarteto de escritoras y psicólogas de la tertulia formado por María Rodríguez Velasco, Gayan Elena, Silvia Ramos y Almudena Mestre
hablamos sobre la relación que existe entre literatura y psicología
(teatro, poesía, novela y psicología social), sus efectos y de todo lo
que puede afectar al autor y al lector desde este punto de vista. Elena
Gayán habló sobre “Madame Bovary o el deseo insatisfecho de la
hysteria”; Silvia Ramos expuso el tema “El proceso creador y el
psiquismo: interrelaciones”; María Rodríguez explicó “Las relaciones
existente entre el teatro y la psicología” y Almudena Mestre detalló la
influencia de la psicología social en la literatura.
El
19 de enero se presentó el primer libro de poemas de Angelina Gatell
(1926-2017), "Poema del soldado" (1954), con el que obtuvo el premio
Ciudad de Valencia en su día. A Angelina le habría gustado ser una gran
actriz de teatro, pero se convirtió en una gran poeta, con más de quince
libros publicados. Fue la primera biógrafa en español de Pablo Neruda,
tradujo en torno a un centenar de libros y adaptó, dobló y dirigió
cientos de películas y series. Bartleby Editores
ha reeditado su "Poema del soldado". El libro estaba listo para la
imprenta en el otoño de 2010, fecha en la que Angelina Gatell les hizo
llegar su introducción; diversas circunstancias retrasaron su
publicación. Unos meses más tarde vio la luz en la colección Bartleby
Poesía el libro "Cenizas en los labios" (2011), finalista del Premio
Nacional de Poesía de aquel año. Cuatro años después se distribuyó "La
oscura voz del cisne", su último libro de poemas publicado en vida. Nos
dejó el 7 de enero de 2017. Con este libro Bartleby viene a restañar esa
deuda poética con su memoria, más viva que nunca. Contamos con la
participación del poeta y novelista Manuel Rico (que es el director de
la colección de poesía), el escritor Miguel Sánchez Gatell y la
profesora de la Universidad de La Laguna Sandra Santana, autora de un
espléndido epílogo.
El 26 de enero Andrés Ortiz Tafur
(Sierra del Segura, 1972) nos presentó su último libro de relatos “El
agua del buitre” (Baile del Sol, 2020) Dieciocho piezas breves
conforman este libro de cuentos que orbitan en torno a las relaciones
humanas dibujando los perfiles de la soledad, la incomunicación, los
miedos, las angustias y la muerte. El autor introduce pinceladas
impresionistas que vibran a lo largo de sus páginas marcadas por
episodios de la vida diaria, monótona y rutinaria de la existencia. El
corpus textual está precedido por el peritexto con citas de Rubén Darío y
Oliverio Girondo. Unos relatos que versan sobre los tres temas de la
posmodernidad, el espacio, el tiempo y el Otro aportando de ese modo,
coherencia y armazón al libro. Los rasgos que definen la narrativa de
Andrés Ortiz Tafur en El agua del buitre invitan a la vacilación del
lector que según Tzvetan Todorov, nos incitan a la perplejidad y
extrañeza ante lo insólito. A pesar de las explicaciones que demos a los
relatos de El agua del buitre existe una mezcla de ensoñación y
fantasía según las leyes de la razón. Los hechos que acontecen a todos
los personajes implican una serie de conductas repetitivas y cíclicas.
Un género breve que invita al lector a sumergirse en un laberinto
temporal transitado por la esfericidad y la circularidad que detienen el
paso del tiempo en los relatos de Andrés Ortiz Tafur. En El agua del
buitre, los relatos gravitan sobre la misma historia cíclica con
idénticos mecanismos de representación que le llevan a indagar en la
sintaxis discursiva, repetitiva y circular de sus relatos. Los trazos
discursivos nos transmiten ciertas sensaciones fantasmales que rozan lo
fantástico, lo extraño, lo mágico con lo cual, roza el autor roza los
límites de la irrealidad. El autor sitúa sus personajes en un mundo real
rodeado de aparente irrealidad en el cual, traspasan puertas, paredes y
ventanas y deambulan por un mundo irónico donde a la vez conviven la
risa y la tristeza. Modela sus relatos con experiencias cotidianas del
ser humano y mezcla fantasías, ensoñaciones, sueños y angustias para
reflejar el nihilismo, la nada, la náusea, prototipos de la estética de
Nietzsche. La dicotomía de los términos (la existencia/inexistencia, la
presencia/la ausencia, la vida/la muerte) y sus juegos ficcionales
aportan la estética de los relatos dentro de un acto de fingimiento.
El 2 de febrero Emma Prieto Rubio
(Licenciada en Ciencias de la Educación por la Universidad de
Salamanca, profesora de Educación Especial, escritora, con dos libros de
relatos, “Extravíos" (Caligrama, 2017) y “"Escamas en la piel"
(Eitorial Adeshoras, 2018) y uno de poemas, “Radiografía de ausencias"
(Editorial Indie, 2020) del cual, nos habló en la tertulia. En él reúne
36 poemas que nos hablan de la pérdida, la ausencia, el hueco y el
vacío. Nos muestra sus versos con nostalgia y un profundo sentimiento,
una emoción palpable ante lo inesperable, lo indeseable, lo efímero. Su
expresión es siempre serena y su escritura cuidadosa nos describe una
mujer que mira la realidad y no puede dejar de exteriorizar sus
sentimientos. Retrata y fotografía su realidad a través del verso y
encierra un secreto en cada uno de sus poemas que posiblemente sea el
lector el que debe averiguar y descifrar. Lo hace con una lírica, un
ritmo y lógicamente, una música generada por la contemplación de la
naturaleza, evocada en cada poema. Sus poemas crean una unidad en medio
de la Naturaleza en la que medita, piensa, diseña y crea mientras la
admira y pasea. Quizás a través del espacio natural construye esas
ausencias a través de su escritura para generar las presencias. Una hoja
de otoño, la figura de su padre, la emoción a través de su palabra nos
sumerge en su proceso creativo. Ante él los tertulianos se preguntan
cómo y dónde se genera por un lado y por otros, si los mecanismos de
creación de un poema es el mismo que de libros de relatos o de una
novela. ¿Se escribe solo a través de la inspiración o es necesario
además mostrar en la escritura inteligencia, técnicas, destrezas y
competencias lingüísticas?
El día 9 de febrero Valeria Correa Fiz
(Rosario, Argentina), abogada, escritora y exiliada económica, se
afincó en Madrid después de sus viajes por Miami y Milán. Su obra
literaria editada incluye un libro de relatos La condición animal (Editorial Páginas de Espuma,
2016), que fue seleccionado para el IV Premio Hispanoamericano de
Cuento «Gabriel García Márquez» y finalista del Premio Setenil 2017, y
tres poemarios, “El álbum oscuro”, distinguido con el I Premio de Poesía
«Manuel del Cabral» 2016, El invierno a deshoras (Ediciones Hiperión,
2017), merecedor del XI Premio Internacional de Poesía «Claudio
Rodríguez» y el último, “Museo de pérdidas” (Ediciones La Palma, 2020).
Sus relatos han sido recogidos en diversas antologías y traducidos al
inglés, francés, rumano y hebreo. Una cita de Javier Núñez antecede al
texto del libro “Museo de pérdidas” y reúne los poemas seleccionados por
Valeria que giran alrededor de las pérdidas, las cicatrices y las
heridas que contiene su “yo poético”. Su obra está dividida en tres
partes cuya recopilación se dispone por afinidad temática. La primera
parte se refiere a las perdidas personales, la segunda a las históricas
principalmente de tipo animal y la última, es una celebración de la vida
en todo su misterio, es decir, “hacer lo que uno es” mediante la voz
poética. En un prólogo breve, encabezado por una cita de Juana Bignozzi,
la autora rescata Ecce Homo de Nietzsche y también al poeta Hölderlin
para explicar el significado de la poesía en contra de la fugacidad del
mundo en el cual buscar lo cotidiano para desnaturalizarlo. El libro
contiene citas de Elisabeth Bishop sobre el arte, José Lezama Lima, José
Manuel Caballero Bonald, Hugo Múgica, José Ángel Valente, Juan Vicente
Piqueras, Alberto Szpunberg en los poemas y citas a pie de página de
Raymond Carver, Sir Arthur Conan Doyle, Safo, Friedrich Hölderlin,
Píndaro.
El 16 de febrero Mercedes Juliá
(catedrática de literatura, discípula de Ricardo Gullón y experta en
Juan Ramón Jiménez) nos habló del exilio del poeta en Nueva York y de
otros escritores imprescindibles como Rosa Chacel y Francisco Ayala.
Mercedes Juliá nos impartió una verdadera conferencia sobre el poeta y
creo su discurso no pudo ser mejor a pesar de los problemas que tuvo
debido al fallo de internet. Juan Ramón realizó viajes a Francia y a
Estados Unidos, donde se casa en 1916 con Zenobia Camprubí. En 1936, al
estallar la Guerra Civil española ante la amenaza continua se exilia a
Estados Unidos, Cuba y Puerto Rico. En este último país recibe la
noticia de la concesión del Premio Nobel de Literatura en 1956. Entre
1939 y 1942 se establecen en Miami, Florida, donde compone los Romances
de Coral Gables; en 1940 es hospitalizado unos meses en el Hospital
universitario de Miami por depresión, de la cual sale con los proyectos
de dos ambiciosos poemas: Espacio y Tiempo; solo llegará a concluir el
primero, culmen de la lírica española del siglo XX. Mercedes Juliá nos
puso un vídeo sobre Juan Ramón y su llegada a Nueva York del cual pongo
fotos a continuación para que veáis el panorama de desolación que
encontró en el segundo viaje que hizo a Nueva York, muy diferente a como
lo encontró la primera vez. Un lugar repleto de construcciones, de
fábricas donde millones de personas habitan en las ciudades,
decadencia, progreso y una trashumancia de pesadillas. Los límites del
propio progreso no le permiten concentrarse en su escritura. Su
compañera Zenobia Camprubí le ayuda de forma discreta y le proporciona
una situación emocional adecuada para almacenar sus recuerdos, sus
artículos y sus dibujos de forma lógica y ordenada. A través del
instinto y de la razón Juan Ramón Jiménez es capaz de conocer los
mecanismos de su interior y la realidad que le rodea. Es un poeta
tremendamente humano que habla de su depresión igual que de su obra. Un
poeta que siente arraigo a la vida a través de la naturaleza y el cosmos
ya que ambos le ayudan a potenciar en él la forma de entendimiento.
El día 23 de febrero se presentó la novela “Poeta en Madrid” (Huso, 2021) de Justo Sotelo.
Ello supuso homenajear a la literatura en pleno siglo XXI de forma
virtual. Adentrarse en esta “novela de boutique” como se expresa en la
portada del libro es indagar y ahondar en la poética que subyace en la
figura de un intelectual, uno de los grandes narradores españoles
actuales, Justo Sotelo. Muchas veces es mejor mantener la distancia de
los acontecimientos que te marcan en la vida y escribir sobre ellos
pasado un tiempo y recordar de ese modo los momentos especiales que
existen para expresarlos de forma objetiva. Hay momentos en la vida de
una persona que se graban en blanco y negro y quedan sellados para
siempre en la memoria a largo plazo y este es uno de ellos. “Poeta en
Madrid” de Justo Sotelo es ya una realidad, no una mera imaginación del
autor sino un hecho palpable, presentado de forma virtual en la gran
pantalla ante más de setenta personas localizadas por todo el mundo. El
libro ya viaja, deambula y se habla de él por todo el planeta. Hay que
resaltar las primeras palabras emotivas que dedicó la editora Mayda Bustamante
a Justo Sotelo primero como persona y segundo como escritor. Destacó su
curiosidad, su encanto como ser humano y el prestigio intelectual que
suponía conocer y después publicar una novela de esta categoría a Justo
Sotelo.Pero como era de esperar surgió después la intervención de un
presentador de lujo, Germán Gullón (Catedrático de literatura y miembro
del AmsterdamSchoolfor Cultural Análisis de la Universidad de Amsterdam)
con un discurso inteligente que descifró las claves de la novela. Como
él dijo, es una obra para elegidos, para lectores que se acerquen a la
novela sigan recorridos y caminos diferentes para indagar en el mundo de
la creatividad, de la creación artística, en la propia literatura,
hecho que el autor siempre convierte en una fiesta. La novela como nos
explicó Gullón – es una declaración de intenciones sobre la literatura y
la novela. Posee un argumento sencillo y fácil de seguir en principio
que a modo de anzuelo, Sotelo nos coloca para ahondar y penetrar en el
origen de la creación artístico-literaria a través del protagonista
Gabriel Relham autor con poco éxito en el teatro que vive en una
buhardilla de una vieja buhardilla de la calle de Atocha de Madrid.
Alrededor girarán una serie de personajes que armonizan y amueblan la
novela. En definitiva, es una hibridación genérica, una mezcla de
música, textos literarios y diferentes aspectos culturales que reúnen a
la literatura, la música, la fotografía, el cine y el arte. Destacó por
encima la idea del creador, del genio, del artista como destacó Sotelo,
el origen de su novela y a partir de ahí invitó a todos los que no hayan
leído todavía la obra, lo hagan. Cada uno sin duda realizará un
recorrido de la obra, elegirá lo que quiera de ella y pondrá la atención
en diferentes aspectos (musicales, artísticos, poéticos, técnicos y
estructurales) y llenará los “huecos” y “espacios” que el autor, de
forma inteligente, ha ido dejando para que el lector los complete. Solo
me falta felicitar al autor y darle las gracias por esta novela,
innovadora y transgresora, al mismo tiempo que agradecerle por cada una
de sus tertulias que desde hace muchos años lleva haciendo. Todas y cada
una de ellas, forman parte de la literatura, del arte, de la música;
nos enriquecen, nos ayudan a percibir el mundo de la cultura y nos
aportan una visión general de ella.
El
2 de marzo nos fuimos a Tenerife de la mano de Javier De la Rosa (La
Laguna, 1949) para hablar de su última novela publicada, "El emperador
en Santa Elena" (Editorial Los Libros del Mississippi,
2020), que es una hermosa historia introspectiva sobre los últimos días
de Napoleón, recreados con un lenguaje muy cercano a la prosa poética.
Javier se licenció en Artes escénicas y dramáticas, así como en
Teología, y es Doctor Honoris Causa por la Universidad de Westbroock,
Estados Unidos.
El 9 de marzo nos fuimos a León de la mano de Marta Muñiz Rueda
nació en Gijón (Asturias) en 1970, aunque reside en León, la ciudad
natal de su madre, desde 1993. Es licenciada en Filología
Hispánica-Literatura por la Universidad de Oviedo y titulada profesional
de Piano por los Conservatorios de Asturias y León. En 2015, la
editorial Csed publica su primer libro de poemas, El otoño es nuestro,
en la colección “Tres voces, tres mundos”. Posteriormente publicará un
conjunto de relatos, 13 cuentos dementes para mentes insomnes
(Piediciones 2016), la novela Tiempo de cerezas (Ediciones Camelot,
2017), el cuento infantil Vicente, Papá Noel (Ediciones Camelot 2018),
más poesía en Libro de la delicadeza (Eolas Ediciones 2019) y la
colección de cuentos Anna y las estrellas (Ediciones Camelot 2020).
Obviamente hablamos con la autora sobre su último libro publicado. Una
nota musical se salió del pentagrama y apareció Marta Muñiz Rueda. Una
mujer inteligente, dulce y cariñosa que nos mostró su calidad de artista
tanto en la música como en la literatura. Una profesional que intenta
ayudar a los Otros a través de su escritura aportando amor y esperanza.
Aúna en su obra literaria todas las artes y los géneros, rompe las
barreras espacio-temporales y apuesta por la creación literaria a partir
de la música. Su simpatía la define como personaje de una novela, su
idea se plasma a través del pensamiento y conocimiento, sus reflexiones
tanto en sus libros de relatos como en las novelas indagan en el mundo y
la realidad. Una estructura mental arbórea, rizomática, equilibrada,
organizada propia de una artista del XXI. Amante de la vida, del amor y
del lenguaje (musical, artístico y escritural). Gracias por el relato
que nos dedicas en tu "Anna y las estrellas" a Justo Sotelo y a mí
querida escritora.
El día 16 de marzo se presentó “El precio que pagas” (Editorial Berenice, 2021), el título del último libro de Peter Redwhite (Moguer,
1987) seudónimo de Pablo Sánchez García, Ingeniero Superior en
Telecomunicaciones por la Universidad Politécnica de Madrid, recoge la
fusión los tres contenidos esenciales de la posmodernidad - el espacio,
el tiempo y el Otro mediante la reflexión e indagación sobre el proceso
de creación a través de la música, la literatura y el cine - realizando
un itinerario poliédrico en el que verter su yo narrativo, un viaje en
tren desde Huelva a Madrid con una parada en La Palma del Condado. Una
dedicatoria a sus padres y un prólogo del cantante Elliot Murphy
resaltando la fluidez del pensamiento del autor, las conexiones que se
producen en su intelecto y la luz que emana de ellas, anteceden al
tejido argumental de la obra. Este libro de relatos estructurado en tres
partes nos ofrece un testimonio de primera mano sobre el autor de la
obra, su aprendizaje, su aportación literaria, musical y
cinematográfica. En El precio que pagas cuyo título referencia una
canción de Bruce Springsteen, un texto preciso que contiene cantidad de
fuentes cinematográficas y musicales introduce al lector en el mundo de
personajes que han articulado a lo largo de su vida la mirada del autor y
han marcado su existencia. Existen referencias y alusiones al origen de
las comunicaciones y a las conexiones que fluyen con otras personas en
todo el mundo. Errores, aciertos, mediciones, aulas, teorías que
envuelven al mundo narrativo de Peter Redwhite y nos acercan a sus
recuerdos atravesados por una asociación de ideas y la memoria
bergsoniana que rodea a cada relato.
El 23 de marzo, Manuel Rico
(poeta, narrador, periodista, crítico español y presidente de la
Asociación Colegial de Escritores de España (ACE)) nos habló de su libro
de poemas “Cuaderno de historia” (Editorial Pre-Textos, 2021). Su obra
literaria editada incluye libros de poemas, narrativa y obra crítica
así como artículos publicados en revistas y periódicos. Dirige, desde
1998, la colección de poesía de Bartleby Editores.
El libro de poemas "Cuaderno de historia" contiene versos escritos por
Manuel Rico entre 2009 y 2018. Comenzó su cuaderno con un poema
inacabado hasta que al cabo de los diez años lo dio por concluido. Se
añade un poema redactado en 2020 nacido en plena pandemia titulado
“Encierro y soledad” que refleja una situación distópica del momento de
la escritura del poeta. Desde el primer poema ya se perfilan las
características de una escritura reflexiva, observadora ante la realidad
y con gran nitidez expresiva. Manuel Rico penetra en sus raíces y
retrata una visión de su vida a lo largo de la historia. Indaga y
profundiza en la memoria a través de los detalles de la vida cotidiana
que le ha rodeado desde su infancia.
El
día 6 de abril nuestro invitado fue el escritor José María Paz Gago
(catedrático de literatura comparada, poeta y ensayista), que nos habló
de su última novela “Desventuras de un seductor" (Amazon, 2020). Su
título ya avanza la esencia del argumento y el autor nos presenta a un
poeta donjuán, romántico empedernido y amante impenitente, proclive al
fracaso. Le presentó el escritor y diplomático José Antonio de Or.
El 13 de abril German Gullon
nos habló con gran admiración sobre su padre Ricardo Gullón. Sus
recuerdos se desvelan en color sepia y nos adentran en la figura de un
humanista que su propio hijo le recuerda todo el día leyendo y
escribiendo sobre Pereda, Juan Ramón Jiménez, las novelas
contemporáneas, Ricardo Gullón, cosmopolita leonés del siglo XX,
abogado y fiscal del Estado (1933), un reconocido crítico literario,
novelista. Estableció contactos con los principales intelectuales de su
época, fue invitado entre otros por José Ortega y Gasset a contribuir en
Revista de Occidente, fundó una editorial con quien sería a lo largo de
la vida uno de sus mejores amigos, Ildefonso Manuel Gil, el poeta y
novelista maño. Fundador de una editorial con uno de sus mejores amigos,
Ildefonso Manuel Gil, el poeta y novelista Gil y la revista Literatura
(1933). Cofundador de la Escuela de Altamira, una asociación de críticos
y pintores que dio vida un enorme impulso a la vida cultural del
Santander de posguerra. Como profesor en Estados Unidos se acercaba a la
corriente de Roman Jakobson, lingüista, fonólogo y teórico literario
ruso, renovador del plano lingüístico.
El 20 de abril Javier Del Prado Biezma
(filólogo y poeta, Catedrático de Literatura francesa, doctor "Honoris
Causa" de la U. Michel de Montaigne de Bordeaux y profesor Honorífico de
la Autónoma, crítico e investigador, filólogo por excelencia y
traductor), una gran persona, excelente ser humano y amigo fiel de sus
amigos, nos presentó, radiante y reflexivo a pesar de estar bajo los
efectos de la vacuna su discurso coherente e inteligente para
introducirnos en su poética. Hablamos de sus últimas publicaciones hasta
entonces, la novela “Le lavoir au lézard bleu” (L’Harmattan, 2018) y
una plaquette “Elegía por la muerte de Julienne Danielle” (Buho Búcaro,
2020) nos conducen a una especie de juegos literarios a partir de los
cuales podemos entresacar sus rasgos de la escritura.
El 27 de abril se presentó “Creación y vacío” (HUERGA y FIERRO Editores, 2020) el último libro de poemas en castellano de Idoia Arbillaga
una gran aportación desde el estudio de la Cábala y el mundo hebreo. Su
autora logra de forma clarificadora, concisa y muy detallada ahondar a
través de su palabra en la Cábala y en la creatividad en la tradición
judía. Con una introducción crítica de Francisco Javier Fernández
Vallina y un prólogo de Esther Bendahan, el libro logra hacerse un hueco
en la colección Rayo Azul de Poesía, dirigida por Enrique Vilagrasa y
Óscar Ayala, directores de la colección. Idoia Arbillaga, mujer y poeta
con doble sensibilidad capta la esencia de la cábala y creatividad en la
tradición judía y nos trae a la tertulia una explicación poética
diferente a lo que los libros de investigación nos muestran sobre el
judaísmo. Se nos muestra segura, expresiva y fiel a su palabra ante un
público que escucha atento su discurso sobre creación y recreación,
mística profunda y creación en el S.XXI, respeto a la memoria de la
recepción y a la memoria de la recepción de la Cábala. La inmersión
amplia y abierta de Idioa se fusiona con la palabra del lector y del
oyente que ante su palabra se sumerge en las tradiciones, los problemas y
la mística de la Cábala. Su editora Charo Fierro se muestra agradecida y
orgullosa por la inclusión del libro “Creación y vacío” en una
colección de poesía con autores de peso y renombre.
El 4 de mayo se presentó el ensayo “Anatomía del drama. Una teoría fuerte del teatro” (Punto de Vista Editores, 2020) del escritor José Luis García Barrientos
donde se exponen sus aportaciones al teatro tras cuatro décadas de
trabajo e investigación. El texto se estructura en dos partes. En la
primera, el autor ahonda y disecciona los principios de la dramatología
de forma teórica y especulativa y en la segunda, analiza de forma
práctica la propuesta anteriormente expuesta. Se centra en el enfoque de
Genette basado en la narratología para representar los mundos
imaginarios y ficticios aplicados al mundo dramático. Como especialista
en teoría teatral y escritor de más de trescientas publicaciones,
Barrientos (Doctor en filología por la UCM, profesor del CSIC, profesor
de posgrado en la UCM y en la Universidad Carlos III, investigador por
el proyecto del Plan Nacional de Investigación y Desarrollo “Análisis de
la dramaturgia actual en español) comienza con un prólogo en el que él
mismo explica las razones e intenciones que le condujeron a publicar
este ensayo. Un encargo editorial por parte de Punto de Vista Editores
con las características físicas y estructurales que este libro posee, le
permitieron a José Luis García Barrientos centrar su ensayo en la más
estricta teoría en ambas partes de las que consta sin olvidar que la
segunda supone una aplicación práctica de la primera. El autor entiende
que una teoría del teatro debe formar parte de la estética general y de
la teoría literaria o subordinarse a ellas.
El día 11 de mayo la tertulia tuvo como referente a cuatro relatos cortos de Peter Redwhite
que forman parte de ese libro "Cortos americanos", al que Justo
escribió su prólogo, analizando las principales claves de un cuento.
Cortos americanos fue el centro de atención de la tertulia de ayer.
Entre todos los tertulianos pudimos descifrar las claves de estas
narraciones cortas en las que Peter (Moguer, 1987) seudónimo de Pablo
Sánchez García, Ingeniero Superior en Telecomunicaciones por la
Universidad Politécnica de Madrid) recoge la fusión los tres contenidos
esenciales de la posmodernidad - el espacio, el tiempo y el Otro
mostrando las vidas de unos personajes cuyo destino seguirá discurriendo
en la imaginación del lector de forma ajena a su voluntad. A estos
relatos antecede un prólogo de Justo Sotelo
en el que se explica en una primera parte, cómo se cuenta un cuento y
los rasgos básicos que debían mostrar según Edgar Allan Poe, Julio
Cortázar, Chéjov, Ribeyro o Quiroga y en la segunda, el modo y la forma
en que lo hace Peter en sus relatos.
El 27 de mayo nos fuimos a Chile de la mano del escritor David.
Blanco que nos presentó a Maximo Gonzalez Saez
escritor y director de la Editorial Mago, de Santiago de Chile, una de
las principales de poesía en aquel país. La publicación de su libro
"Antología de poesía chilena" (2016) reunió a todos los autores en la
Sociedad de Escritores de Chile. Máximo G. Sáez nació en Santiago de
Chile (1966). Es Licenciado en Literatura y Educación, Profesor de
Castellano, Magíster en Literatura Chilena e Hispanoamericana. Tiene
estudios de Doctorado en Pensamiento y Cultura, ha sido Académico de
Literatura y Comunicación en diferentes Universidades.
El 1 de junio la escritora Patricia Martinez de Vicente nos habló de su último libro “El té de la libertad" (Editorial Kolima,
2021) en el cual, vemos cómo los cafés distintos de su función primaria
en la narrativa se suelen asociar a códigos intelectuales donde el foco
de atención es una tertulia, un debate, un diálogo, una reunión. Esos
lugares de ocio y diversión como espacios cerrados evocan la propia vida
personal o grupal de la ciudad de Madrid como modelo cultural urbano.
En ellos se reunían por un lado, la parte intelectual y por otro, la de
ocio y diversión. El discurso fue tan ameno por parte de nuestra amiga,
tertuliana y escritora que de alguna forma nos introdujimos en la
historia, la sociología, los misterios y secretos que acontecían durante
la época franquista y Segunda Guerra Mundial. Su última novela estás
basada en hechos reales contrastados a partir de documentación extraída
de diferentes archivos españoles -británicos y verificada por medio de
múltiples entrevistas. El texto se podría considerar clasificar dentro
del género de novela histórica donde la visión de la autora intenta
aportar verosimilitud y autenticidad al discurso por medio de la
literatura. Aporta su verdad, su idea de los hechos históricos según sus
vivencias familiares y ambientes sociales. Embassy fue el antiguo café
de tertulia y salón de té de Madrid, situado en el Paseo de la
Castellana número 12, esquina con a la calle de Ayala. Fue inaugurado en
1931 por Margarita Kearney Taylor, al estilo inglés orientado a la
clientela de las embajadas existentes en la zona. Sin embargo, era un
lugar de encuentros donde se tejían relaciones misteriosas, sociales y
de ayuda a los refugiados políticos. Quizás esta novela sea una buena
lectura para los alumnos de bachillerato y gracias a ella se acerquen a
los hechos históricos que sucedieron entre 1939-45. "El té de la
libertad" (Editorial Kolima, 2021) habrá que leerla y descifrar todos
los códigos narratológicos para desvelar la autenticidad, la veracidad y
la ficcionalidad de los hechos que están inmersos en el texto que en
definitiva, es lo más le interesa al crítico literario. Es posible que
el libro sea un híbrido de lo histórico, lo ficcional y la crónica y se
fusionen en la historia y la literatura durante estas 400 páginas de
lectura. En pleno siglo XXI, ¿existe una única verdad de lo que sucedió o
diferentes versiones de lo acontecido? El texto literario es lo que nos
importa y cómo la autora lo convierte en metaficción.
El 8 de junio nos habló nuestra querida arquitecta y gran lectora María José Muñoz Spínola
sobre las relaciones entre la literatura y la arquitectura y preparó
varios textos y fotos. Ella partió de su propio proceso creativo. Nos
explicó María José una armonía en uno mismo para generar la idea origen
del proceso creativo sin saber realmente si es la inspiración o
exactamente qué es. Destacó el lado espiritual e intelectual del
arquitecto y el escritor en la que uno se construye a sí mismo y todos
los aprendizajes están conectados para generar y crear así como para
“humanizar el espacio para los demás” nos explicó. Lo que es obvio es
que para la creación artística o literaria es imprescindible la razón,
el conocimiento, el pensamiento y el espíritu crítico. Esa voluntad de
saber, de conocer y de ahondar en los espacios es lo que lleva hoy en
día a María José o Jose Felix Saenz-Marrero,
ambos arquitectos, a sobrevolar el terreno antes de construir y
visualizar lo escondido, indagar en lo misterioso y preguntarse por el
lenguaje simbólico que subyace detrás de la arquitectura y puebla los
espacios. Esos códigos primarios y secundarios del lenguaje simbólico
son los que unifican el arte y la literatura como destacó Walter
Benjamin. La belleza que se desvela en Martin Heidegger aporta
historicidad a la arquitectura y potencia la relación con la literatura a
través de los símbolos y las imágenes para narrar historias. En la
fusión de ambas disciplinas arquitectura y literatura existe una labor
creadora que a través de la precisión de la colocación de los elementos,
la concatenación de ideas, la memoria, la perspectiva, la luz, el
espacio y el tiempo. Es imprescindible una idea generadora y una
amplitud de conocimientos y aprendizajes que desarrollen el germen de la
misma. La precisión como aliento poético es lo que une la arquitectura y
la poesía. La indagación en la poética es el fin último de ambas lo
cual exige una reflexión sobre la forma en que la imagen actúa en ellas.
La ficción es lo que vincula arte y literatura y da el soporte
necesario para su existencia. La arquitectura no es solo una
construcción, pero al menos hasta hoy, debe ser construida. La
arquitectura ocurre físicamente en un espacio determinado, durante un
tiempo también determinado. Esa dependencia de lo material es una de las
causas que explican que la imagen arquitectónica tenga las alas más
cortas que la poética. Como expresó María José en todo proyecto
arquitectónico existe un componente material que condiciona muchas veces
al arquitecto. Es necesario encontrar la forma adecuada para una obra y
olvidarse en un principio de la parte económica. Del mismo modo es
imprescindible encontrar - nos recordó - el componente utilitario de un
proyecto e indagar en los porqués del mismo para hacer los espacios lo
más hermosos que podamos y hacer felices a las gentes. Realmente la
labor del arquitecto sería buscar denodadamente la belleza y fusionar la
creación artística con la literaria. Ese proceso desde un principio
hasta el final implica buscar e indagar en la belleza fusionando lo
funcional y lo estético. Cualquier labor creadora debe renunciar a lo
individual para llegar a ser universal y relacionar diversa disciplinas
en el mismo proceso.
Y
colofón de las tertulias del Café Gijón, el último día 15 de junio 2021
se presentó el libro “Voluntad de horizonte y añoranza de morada.
Identidad y alteridad en el viaje existencial literario” (El Fil
d’Ariadna, 2021) de nuestro querido amigo y catedrático Javier Del Prado Biezma.
La verdad es que podía haber mejor momento para disfrutar del discurso
de nuestro querido catedrático, amigo y tertuliano desde 2014 que el
final de esta temporadas que cada año digo, todas y cada una de las
tertulias son puro placer para lo sensible, lo intelectual y lo
espiritual. En el discurso de Javier quedó reflejado lo que era su
libro, un ensayo no estrictamente académico con carácter muy personal,
sin llegar a ser un tratado ni tampoco una poética. Es de tipo
fragmentario en el que se analizan los problemas ontológicos del viaje.
En el pensamiento de Javier laten una herencia religiosa desde niño que
le sumergió en el mundo laico y literario, uno literario formado
principalmente por el cuarteto simbolista (Mallarmé, Rimbaud, Baudelaire
y Verlaine) y la compañía de Juan Ramón Jiménez a lo largo de toda su
vida y un tercero, la insuficiencia de patrias. A lo largo de la
tertulia, Javier expresó uno de sus objetivos que se fijó después un
principio al diseñar su ensayo. A él le interesó la dimensión ontológica
del viaje para lo cual estableció varios conceptos fundamentales en su
análisis. Las aporías del yo como estructuradas como un juego de
oposiciones entre la identidad y la alteridad; la materia y función de
morada: exige una conciencia inmanente, el viaje como necesidad
ontológica, la existencia, la voluntad de horizonte, la añoranza de
nido, el exilio y destierro, el concepto de patria material y espiritual
con la exclusión, la errancia y la expulsión. A lo largo del libro,
Javier hace referencia a numerosos autores principalmente del
Romanticismo francés: Senancour, Chateaubriand, Lamartine, Victor Hugo,
algunos ya ya modernos, como Dino Buzatti y Julien Gracq, y termina su
texto con un amplio apartado dedicado a Juan Ramón Jiménez. A lo largo
del libro aparecen citas y referencias en tres lenguas con sus
correspondientes traducciones. Establece varios niveles que nos conducen
como ayer por la tarde se vio en la tertulia de Justo Sotelo, al
estudio de los componentes del viaje, como trayecto que nos lleva de la
identidad del yo a la alteridad.
Gracias a todos y Feliz Verano".
